GERMAINE GOMEZ HARO,1999, MEXICO.

Autoretratos del Alma 

En la Galería Nina Menocal se presenta actualmente “Al azahar”, quinta exposición individual que, con puntualidad anual, el pintor cubano Ulises González realiza en este espacio. El trabajo de Ulises ha suscitado interés en México desde su llegada en 1991. Es en nuestro país donde se consolida su lenguaje pictórico y su iconografía se trastoca en forma definitiva, bajo el influjo de nuestra cultura popular y la imaginaría religiosa que aprehende en Guadalajara donde reside actualmente. Desde su primera exposición individual en esa ciudad “Retablos”, (Galería Alejandro Gallo, 1992) se pueden percibir ciertas constantes formales y conceptuales que han sido el núcleo de su creación plástica desde su génesis y que, con el tiempo, han ido madurando hasta conformar una obra de carácter plenamente personal y un estilo claramente reconocible hecho nada fácil en ésta época de bombardeo de imágenes.
La pintura de Ulises, esencialmente intimista, es fina expresión de los matices de su alma. Su temática hace referencia, en todo momento, a sus tribulaciones existenciales, a su constante búsqueda de identidad espiritual y sus reflexiones sentimentales. En un lenguaje posmoderno de sintaxis casi minimalista, la obra de Ulises nos habla de amor y desamor, erotismo y misticismo, gozo y sufrimiento, desgarramiento y ternura… Sentimientos hilvanados por el sutil filamento de la nostalgia, sensación presente en toda su creación.
Ulises trabaja generalmente en series temáticas que han ido concatenando unas con otras mediante ciertos eslabones conceptuales perpetuados a lo largo de todos estos años. Como elementos iconográficos persistentes aparecen las flores -antes eran rosas, ahora son azahares-, los listones, los corazones, las naranjas, la sangre encendida que sacude al espectador. Su factura es siempre rigurosa, lo mismo cuando recurre a pinceladas libres y gestuales, qué cuando se sirve de trazos suaves y contenidos. En su obra anterior incorporaba comúnmente elementos extrapictóricos al lienzo o a los marcos, llegando en ocasiones a crear el efecto de picto-esculturas; ahora se percibe un proceso de depuración que ha dotado a sus cuadros de una mayor ligereza, donde su propio lenguaje fluye más mesurado, velado por una diáfana precisión. Aún así sus pinturas conservan cierta teatralidad, una especie de hálito barroco que se genera por la voluptuosidad de las formas y los pronunciados golpes de luminosidad, aun en esta serie casi monocromática donde predominan los blancos y los grises matizados por la tenue luz lunar.
El tema central de su pintura reciente es la relación carnal y mística entre la pareja, simbólicamente representada por sus inmensas naranjas “humanizadas”. A través de ellas juega con la metáfora de la media naranja en alusión a la pareja “ideal”. Así, nos presenta en lienzos cuadrados, de mediano formato, unas enormes y voluptuosas naranjas partidas por la mitad, cuyo centro es invariablemente un corazón palpitante, en ocasiones derramando espesos chorros de sangre. Siguiendo una semántica plenamente contemporánea, Ulises juega hábilmente con las palabras y entrevera significados y metáforas en sus títulos e imágenes. “Al azahar” tiene que ver con la representación literal de la flor de la naranja, presente en los lienzos en apíñados cúmulos y frágiles bouquets, o bien plasmadas al desgaire en el espacio, subrayando el toque “cursi” (y en ocasiones, kitsch) que deliberadamente imprime a su trabajo. Un listón negro enlazado entre las delicadas flores, así como la sangre escurriendo del corazón de las naranjas, trastocan el aparente ámbito de serenidad de sus blancas y luminosas pinturas, creando una sensación mórbida y perturbadora.
Otra innovación en su trabajo reciente es su incursión en la instalación. Aquí presenta su obra titulada “Trampas de la suerte”, constituida por siete piezas tejidas con soga plateada, a semejanza de las trampas de cestería que utilizan los pescadores primitivos en algunas regiones. Éstas penden del techo a diferentes alturas, en un cuarto totalmente blanco, con la iluminación precisa para crear juegos de luces y brillos metálicos que hacen de este conjunto una obra altamente poética, metáfora que utiliza Ulises como un intento por “pescar” la suerte y atrapar lo imposible lo inasible.
En la charla que sostuvimos al recorrer esta exposición, Ulises habló de su pasión por la poesía, en especial por la obra de su coterránea Dulce María Loynaz, cuyos poemas, a decir del artista, han suscitado imágenes, y evocaciones que creo percibir en su pintura. Como la lírica pura de Loynaz, la pintura de Ulises, límpida y aérea, revela cierta antítesis entre un hermetismo y una oscuridad intrínsecos y una luminosidad que encierra emociones y sensaciones cotidianas, con el afán de expresar el ritmo pendular entre el amor y el desamor, la ausencia y la presencia, la añoranza a de los orígenes: “Uña isla es/ una ausencia de agua rodeada/ de agua: Una ausencia del amor rodeada del amor… (Dulce María Loynaz, “Geografía” en Versos, 1920-1938.)
 
Germaine Gómez Haro, La Jornada, Ciudad de México, Septiembre de 1999.
 
 
Self-Portrait of the Soul
In the Nina Menocal Gallery the fifth individual exposition is actually “Al azahar (To the Orange Blossom)” where, with annual punctuality, the Cuban painter Ulises González (The Havana, 1963) presents his work. Ulises’ work has raised interest in Mexico since his arrival in 1991. It is in our country where his pictorial language and his iconography transforms itself into a definitive form, under the influence of our popular and religious imagery that he seizes in Guadalajara, where he actually resides. Since his first individual exposition in this city (“Altarpieces”, Alejandro Gallo Gallery, 1992) certain formal and conceptual constants can be perceived as the center of his fine arts since their genesis and that, with time, have been maturing until shaping a work of character fully personal and a style clearly recognizable, nothing done easy in this time of bombardment of images.
The painting of Ulises, essentially an intimate, is fine expression of the shades of his soul. His subject makes reference, in every moment, to his existential tribulations, to his constant search of spiritual identity and his sentimental reflections. In a postmodern language of syntaxes almost a minimalist, Ulises’ work tells us about love and falling out of love, eroticism and mysticism, joy and suffering, tearing apart and tenderness.feelings outlined by subtle fibers of nostalgia, sensations present in all his creations.
Ulises generally works in thematic series that have been linking some with others using certain conceptual links perpetuated along every year. Persisting iconographic elements appear as flowers -before they were roses, now they are orange blossoms-, the lines, the hearts, the oranges, the striking blood that shocks the audience. His work is always rigorous, and the same thing applies to his free brushstrokes and gestures, when it turns out smooth and contained lines. In his previous work, he commonly incorporated extrapictorial elements to the canvas or to the framework, ending up on occasions creating the effect of picture-sculptures; now it is perceived as a purification process that he has endowed to his paintings of great indiscretion, where his own language flows more restrained, veiled by a clear precision. Even then his paintings maintain a certain theatricality, a kind of Baroque style that is generated by the voluptuousness in the shapes and striking rays of light, even in this almost monochromatic series the whites and grays tinted by the faint moonlight predominate.
The central theme of his recent painting is the carnal and mystic relation between the couple, symbolically represented by his immense “humanized” oranges. Through them he plays with the metaphor of the half orange in allusion to the “ideal” couple. In this way, it presents to us in squared canvases, of medium-sized format, some enormous and voluptuous oranges parted in half, whose center is invariably a heart palpitating, on occasion spilling thick streams of blood. Following a fully contemporary semantic, Ulises smartly plays with the words and hints meanings and metaphors in his titles and images. “To the Orange Blossom” has to do with the literal representation of the flower of the orange, is seen on the canvases in piles crowded together and fragile bouquets, or well captured to come out in this area, emphasizing the “gaudy” touch (and on occasion, kitsch) that deliberately marks his work. A black line connected between the delicate flowers, as well as the blood dripping from the heart of the oranges, disrupt the apparent environment of serenity of his white and luminous paintings, creating a morbid and disturbing sensation.
Another innovation in his recent work is his incursion on the installation. Here is his work titled Trampas de la suerte (Traps of luck), consisted of seven pieces knitted with silver-plated ropes, similar to the basket traps that primitive fishermen use in some regions. These hang from the ceiling at different heights, in a totally white room, with the exact illumination for creating plays of lights and metallic shine that make this collection highly poetic work, a metaphor that Ulises uses how an attempt to “fish” for luck and catch the impossible, the inaccessible.
In the conversation that had we had traveling to this exposition, Ulises spoke of his passion for poetry, especially for the work of his countryman Dulce María Loynaz, whose poems, as said by the artist, has aroused images and evocations that I believe perceive in his painting. As the pure lyric of Loynaz, Ulises paintings, cleaned and aired, reveals certain antithesis between hermetecism and intrinsic darkness and a luminosity that surrounds everyday emotions and feelings, with the zeal of expressing the pendulous rhythm between love and falling of love, the absence and the presence, the nostalgia of the origins: “An island is/ an absence of surrounding water/ of water: An absence of/ surrounding love of/ love.” (Dulce María Loynaz, “Geografía (Geography)” in Versos (Verses) 1920-1938.)
 
By Germaine Gómez Haro, La Jornada, September 1999. México, D.F.